jueves, 10 de octubre de 2024

EL PROGRESIVO (3): Rock Progressivo Italiano (RPI) (segunda parte)

 

La siguiente es una lista de algunos de los grupos que yo creo que vale la pena escuchar (además de los nombrados en crónicas anteriores) para apreciar mejor lo que fue el RPI. Las notas anexas a cada uno muestran de dónde vienen y por qué son destacadas entre las bandas icónicas de este subgénero. Es importante resaltar que muchas de estas solo grabaron un disco, o que tuvieron éxito por una sola de sus publicaciones, lo que fue suficiente para que quedaran en la historia del rock.

ACQUA FRAGILE

Esta fue una de esas raras bandas del ambiente progresivo italiano que compuso sus temas en inglés. Coincidió esto con el hecho de que hizo parte de ella un cantante que se conoció más cuando, entre 1975 y 1980, participó en el que, tal vez, sea el grupo icónico del RPI por fuera de Italia, Premiata Forneria Marconi (PFM), me refiero a Bernardo Lanzetti. Con los PFM cantó sus temas en inglés y en italiano, mientras que con los Acqua Fragile (de Parma), exclusivamente en inglés. Durante los 70, sacaron al mercado dos álbumes de estudio, el epónimo Acqua Fragile (1973) y Mass Media Stars (1974), ambos con la voz de Lanzetti. Aunque su intención siempre fue ir más allá del mercado italiano, con sus interpretaciones en inglés, Acqua Fragile nunca logró lo que sí alcanzaron los PFM; además, por ser en inglés, tampoco gustó mucho en Italia. Al decir de muchos críticos, el estilo de su primer disco se asemejaba, en algunas de sus partes, al de los Gentle Giant, Genesisd, Yes, Renaissance o Family. Recomiendo, muy especialmente, este primer trabajo.

BLOCCO MENTALE

Grupo de la zona de Viterbo (región del Lacio), formada en 1972 que produjeron un único álbum, POA de 1973 (escrito en griego en la portada), de tintes claramente ecológicos en sus letras, haciendo alusión a la polución, la naturaleza, las flores y el pasto verde. Como sucedió con muchos grupos y componentes del RPI (según lo cuenta Andrea Parentin en su libro Rock Progressivo Italiano de 2011), los Blocco Mentale se reorganizaron tiempo después bajo el nombre de Limousine, cantando de una forma, infortunadamente, más comercial entre los años 1978 y 1979. En resumidas cuentas, es un grupo y un álbum digno de oír: representa, a las claras, el sonido clásico del RPI.

AREA

En mi crónica sobre los mejores cantantes del rock ya había hecho alusión a este grupo, concretamente a su cantante, el griego Demetrio Stratos. Esta vez, sin embargo, me referiré a la banda en general. Esta es una de las más conocidas y mejores del RPI, pero, de acuerdo con el portal Progarchives.com., y en eso estoy de acuerdo, no fue el grupo con el sonido más característico dentro de género. De hecho, Snider (2005. The strawberry bricks guide to progressive rock) afirma que la banda estaba enraizada más en la fusión del jazz y el rock que en el rock progresivo, aunque, creo yo, la primera es una de las expresiones del segundo.  Constituido por integrantes de diferentes países (un griego, un francés, un belga, y por supuesto, varios italianos), Area compuso cinco discos en los años 70, hasta la muerte de Stratos. Luego, publicó otros dos más en los 80, pero a mediados de esta década se llamó Area II. El álbum 1978 - gli dei se ne vanno, gli arrabbiati restano! (1978-¡Los dioses se van, los enojados se quedan!) fue el último con su cantante original quien murió posteriormente de cáncer, con tan solo 35 años. Los álbumes “Arbeit Macht Frei” (El trabajo te hará libre) de 1973, y Crac!, de 1975 (el primero y el tercero respectivamente), se consideran sus más importantes trabajos. El grupo colaboró alguna vez con John Cage, uno de los mejores exponentes de la música contemporánea.

AKTUALA

Grupo que nació en 1973 y se separó en 1976 después de publicar tres álbumes. Su nombre significa “actual” en Esperanto, lo que no deja de ser muy curioso. Uno de los precursores de la llamada música del mundo con su segundo álbum “La Terra” (1974), el que a su vez es considerada su mejor producción. Dirigido por Walter Maioli, su música es descrita como étnica (con temas árabes, africanos e indios). Como ejemplo, en este disco participaron músicos muy importantes: un auténtico jazzista; un flautista y saxofonista de música clásica contemporánea; un guitarrista sicodélico; un maestro de la improvisación del violonchelo con una fuerte formación clásica; un virtuoso de la viola clásica; un arpista de Ámsterdam; un tablista indio, y un maestro del sonido, flautista y filósofo de la música, Walter Maioli.

APOTEOSI

Grupo muy raro, de Calabria, que solo grabaron un disco en 1975 cuyo título corresponde al nombre de la banda. Hicieron parte de los llamados “meteoros”, que solo publicaron uno o muy pocos discos porque sus sellos disqueros cerraron. Sus integrantes siguieron carreras musicales importantes, lo que muestra el talento de estos. Lo más destacable, si no lo más curioso, es que su líder fue un niño de 14 años, Massimo Idà, el talentoso teclista. Aunque no puedo afirmarlo con total contundencia, sí creo que es de los únicos casos en el mundo del rock en el que alguien tan joven haya liderado una banda de rock progresivo, o de cualquier otro subgénero del rock. Apoteosi estuvo conformada por otros dos hermanos Idà, Fedrico (bajo y flauta) y Silvana (voz), característica que los hizo aún más interesante. Según algunos críticos, ciertos sonidos de las composiciones se acercaban al progresivo inglés, en particular, a la escena de Canterbury (e.g. Camel). Un elemento curioso extra dentro del disco está en la participación de Alessandro Alessandroni quien, en los años 70, participó en algunos de los muy reconocidos temas de los Spaghetti Wéstern cuya música fue compuesta por Ennio Morricone (e.g., El bueno, el malo y el feo, Por unos dólares más...). Alessandroni fue uno de los que silbaba en estas composiciones, además de tocar los sonidos de guitarra que se hicieron famosos por estas películas y que destacaban momentos dramáticos (como los duelos) en estas cintas.

LOCANDA DELLE FATE

Portales como http://www.italianprog.com/welcome.htm

y prog archives coinciden en que los Locanda delle fate (LDF) grabaron un único disco conceptual llamado Quizás las luciérnagas ya no se aman (1977) de gran calidad por su sonido clásico dentro del RPI, lleno de un estilo de rock sinfónico. Después de este, grabaron sólo algunos sencillos por la falta de interés general por su música. Desafortunadamente, los LDF se dieron a conocer en un mal momento pues el rock progresivo estaba pasando de moda, dándole el paso al punk. Para Andrea Parentin, en su libro Rock Progressivo Italiano, la hermosa carátula de este disco dice mucho más de su contenido que las palabras que uno pueda escribir al respecto.

 

QUELLA VECCHIA LOCANDA

Grupo romano que grabó solo dos discos: uno con su propio nombre de 1972, y el segundo titulado Il tempo della gioia de 1974. Para los críticos, fue una lástima que los QVL se separaran tan rápido debido a la calidad sinfónica de sus temas. Aunque los integrantes cambian parcialmente del primero al segundo álbumes, mantienen el estilo que los hizo ser calificados como de gran calidad. Otra cosa que se celebra es la belleza de los dibujos de sus carátulas. Ambas grabaciones fueron construidas como álbumes conceptuales, con un muy identificable sonido clásico del RPI. Algo también interesante en los QVL es que se puede identificar una fusión entre el rock y la música barroca, principalmente, lo que es difícil de encontrar en cualquier grupo rock. Algo para destacar también es la presencia de un violinista norteamericano, Donald Lax, que le dio un toque muy particular a la música del grupo, y que mantuvo en el segundo álbum,  aunque fuera reemplazado por Claudio Filice.

 

lunes, 18 de diciembre de 2023

LOS BEATLES (III): LAS CANCIONES DE RINGO

 


Hace un tiempo escuché a alguien en la radio que puso el Yellow submarine de los Beatles, que esta era la única canción que había interpretado Ringo en toda la carrera del grupo. Con base en esta afirmación, caí en la cuenta de que hay muchos aficionados a esta banda que creen, efectivamente, esto, y que, aunque no lo queramos, por momentos se suele pensar en Paul McCartney y John Lennon cuando se hable de los cuatro de Liverpool, dejando algo relegados a Ringo Starr y a George Harrison. Las razones, creo yo, son dos: la primera, que la mayor parte de los temas del grupo aparecen firmada como Lennon y McCartney (aunque muchas veces fue el uno o el otro), y la segunda, que, igualmente, un porcentaje muy alto de veces los intérpretes de sus composiciones fueron ellos dos. Y entre George y Ringo, el menos reconocido ha sido este último. Por eso, quiero hacer un pequeño homenaje al baterista del grupo, concretamente destacando las canciones en las que fue la voz líder. El primer tema fue “Boys” (https://youtu.be/Vu9j4syEJDE) , del álbum “Please Please Me” publicado en marzo de 1963, LP inaugural de su exitosa carrera. “Boys” es una canción compuesta por Luther Dixon y Wes Farrel, claramente para que fuera interpretada por mujeres pues la letra está dirigida a ellos por ellas, grabada, en 1961, por el grupo estadounidense The Shirelles compuesto por cuatro mujeres negras. En la voz de Ringo, y el ritmo del grupo inglés, se imprime una fuerza rockera que, en general, no fue muy común en el catálogo de los Beatles (otra excepción es Birthday).

En el segundo álbum (With the Beatles de noviembre de 1964), Ringo es el vocalista principal, acompañado por sus compañeros, del tema I wanna be your man (https://youtu.be/RWmTgXuvJYo). Parece ser que el hecho de que en el nuevo álbum, y por segunda vez consecutiva, el baterista cantara como voz líder en una de las composiciones de Joh y Paul, fue producto de la amplia acogida que tuvo su interpretación de Boys en primer LP. Como dato curioso, I wanna be your man fue compuesta por Lennon y McCartney originalmente para los Rolling Stones (https://youtu.be/NbTtP6j-oyg) , quienes la publicaron el 1° de noviembre de 1963, mientras que los cuatro de Liverpool lo hiceron el 22 de noviembre de ese mismo año.

Se publica el cuarto álbum, Beatles for Sale, el 4 de diciembre de 1964, y reaparece (pues no cantó como líder en ninguna del tercero, A hard day’s night de 1964 también) como vocalista líder de la canción rocanrolera de Carl Perkins Honey don’t de 1956.

En el quinto álbum, Help!, y banda sonora de su segunda película con el mismo título, publicado el 6 de agosto de 1965, interpretó la canción Act Naturally (https://youtu.be/yjJd8rZPcAQ) considerada por el biógrafo del grupo Mark Hertsgaard (Los Beatles. Un día en la vida de 1995) con un sonido “country and western”. Esta no fue compuesta por los Beatles, y ya habúia tenido más versiones.

El 3 de diciembre de este mismo año, el grupo publica su sexto álbum Rubber Soul. En este, Ringo es el cantante principal y compositor del tema What goes on (https://youtu.be/PtC_l4kz7yw).

No es sino hasta la aparición del octavo y, tal vez, más conocido álbum de los cuatro de Liverpool, St. Pepper Lonely Hearys Club Band de 1967, que Ringo vuelve a ser la voz principal, en este caso del también muy famoso tema With a little help from my friends (https://youtu.be/0C58ttB2-Qg).

 

La siguiente participación de Ringo como cantante fue en el décimo álbum titulado The Beatles, pero conocido como el Álbum Blanco, única grabación con dos discos del grupo, publicado el 22 de noviembre de 1968. El baterista interpretó, y compuso, el tema Don’t Pass Me By (https://youtu.be/PTKEiQHHsuk), presente en el disco 1.  Aunque se grabó para este álbum, en realidad la canción fue compuesta en 1962, como parece ser para muchos de los temas del cuarteto que fueron interpretadas mucho de después de haber sido construidas por sus compositores. Mucho menos conocida es su participación en el último tema del álbum llamado Good Night compuesto por John para su hijo Julian. Interesante resaltar el hecho de que en la música no participa ninguno de los otro del grupo pues el respaldo es de una orquesta con arreglos y dirección de George Martin.   

En el disco número 11 titulado Yellow Submarine (https://youtu.be/m2uTFF_3MaA), publicado el 17 de enero de 1969 (escasos dos meses después de que saliera a la venta el Álbum Blanco), Ringo interpreta la otra muy conocida canción que da el título al álbum. Digamos que junto con With a Little Help of My Friends es el tema en que la mayor parte del público reconoce la voz “desafinada” del baterista.

La última canción compuesta y cantada por Ringo fue Octopus´s Garden (https://youtu.be/De1LCQvbqV4) que aparece en el penúltimo (duodécimo) álbum, Abbey Road, publicado el 26 de septiembre de 1969. El biógrafo del cuarteto de Liverpool Mark Hertsgaard, en su libro “Los Beatles. Un día en la vida” de 1995 (p. 275), escribió lo siguiente sobre esta canción: “El conjunto también es la clave de “Octopus´s Garden”, la visión de Ringo de una utopía acuática. En años pasados, los demás Beatles solían tomar el pelo a Ringo por traer composiciones musicales que eran reciclajes involuntarios de las canciones de otros. Pero mientras que “Octopus´s Garden” era bastante parecida a “Yellow Submarine” de Paul, Ringo diría que en realidad la compuso después de abandonar los Beatles el verano anterior”. <de otra parte, anota el mismo autor, George (con la guitarra) y Paul (al piano) “ayudaron a crear la sensación de que esta cancioncilla es más sólida de lo que realmente es” (p. 272).

miércoles, 28 de septiembre de 2022

DE BACH A EMERSON

No es fácil en encontrar en la historia del rock bandas que hayan hecho fusiones con la música clásica. Tal vez hay quienes confunden las fusiones con las versiones de temas de música clásica, cosas que son diferentes. Un ejemplo de una verdadera fusión lo encontramos en varios de los temas del Concerto Grosso Per I New Trolls (1971) de los New Trolls de Italia, en asocio con el músico argentino Luis Enríquez Bacalov. (https://youtu.be/qN3BPwV7xWs) La verdad sea dicha, es el mejor ejemplo que tengo de esta fusión, sobre todo por los tres primeros temas del álbum.

Los siguientes grupos y temas de los que voy a escribir corresponden, fundamentalmente, a intérpretes y versiones, respectivamente, de clásicos, que van desde el Barroco hasta la música contemporánea la mayoría de ellos dentro del subgénero del rock progresivo. Podemos comenzar por la composición del estadounidense Wendy Carlos (antes llamado Walter Carlos) (1939), quien transformó la parte más famosa (el 4ª movimiento) de la 9ª Sinfonía de Beethoven para la película de Stanley Kubrick “La naranja mecánica” (1972) (https://youtu.be/qketulYqZfs?list=PL73IJFv0MgenGe2s7X61b7rDLaRPBOhdd). Carlos puede considerarse entre las pioneras en el uso del sintetizador Moog para elaborar música electrónica con toque de rock progresivo, sobre todo dese la publicación del disco “Switch on Bach”.

Una versión que puede parecer rara es la realizada por un grupo español poco conocido llamad Fusioon, quienes en el álbum Fusioon 2 (1974) incluyeron su adaptación de la Tocata y Fuga en Re menor de Johan Sebastian Bach (1685-1750), compuesta, posiblemente, en 1704, es decir, cuando Bach tenía tan solo 19 años (https://youtu.be/PXldy1fRHWE). Aunque esta composición puede ser una de las que tiene mayor cantidad de versiones en el rock, a mí me gusta muchísimo la que les presento aquí por su originalidad. Fusioon es catalogado en el portal Prog Archives como una banda con elementos musicales tomados de los más reconocidos exponentes del rock progresivo, como lo fueron King Crimson, ELP, Gentle Giant, Tangerine Dream y otros, lo que muestra la gran calidad de estos barceloneses. Vale mucho la pena escucharlos.

El teclista británico Keith Emmerson es, tal vez, el músico que más interpretaciones hizo de segmentos de temas clásicos ya sea en el grupo The Nice, como en los célebres ELP (Emerson Lake and Palmer) En 1968, con The Nice, publicaron una versión magnífica del tema America (https://youtu.be/Dg9jHTYZ-6U), que Leonard Bernstein (1918-1990)  compuso en 1957 para la obra de teatro West Side History. Este tema se difundió como sencillo, apareciendo en otros álbumes de estudio como tema extra, más que original de cualesquiera de estos.

En 1971, el grupo de Rock Progressivo Italiano Buon Vecchio Charlie utilizó una de las partes más famosas de la obra Peer Gynt (In the Hall of the Mountain King) de 1886 (https://youtu.be/xrIYT-MrVaI), compuesta por el músico noruego Edvard Grieg para grabar el temaVenite giù al fiume (Calabrò).  Este salió en el único álbum, que tiene su mismo nombre, compuesto por esta banda (https://youtu.be/G6MTATDzNW0).

El reconocido grupo Jethro Tull, cuyo sonido se confunde entre el metal pesado y el progresivo, compuso varios temas con variaciones de composiciones clásicas. Una de las más famosas es la que hicieron al Bourée (https://youtu.be/jKSg8t4zyLg)  de J. S. Bach quien la compuso entre 1708 y 1717. Ian Anderson la presentó en el segundo álbum de su grupo en 1969 (https://youtu.be/iWJgJkVL0xM) llamado Stand Up.

Ian Gillan y Roger Glover han sido asociados, con razón, casi exclusivamente con los Deep Purple, sin embargo, antes de pertenecer a esta popular banda, hicieron parte de los ingleses Episode Six (tal vez su primer grupo). Estos últimos no tuvieron tanto éxito como los primeros, por lo que no son, desafortunadamente, tan conocidos. Compusieron una serie de sencillos, entre estos Mozart vs. The rest (1969) (https://youtu.be/UtODdiMr3yw), que fue un arreglo que hicieron a la composición de W. A. Mozart (1756-1791) “La marcha turca”. Esta corresponde al tercer movimiento de su Sonata para piano N° 11, compuesta, aparentemente, en 1783.

Jean Jaques Perrey (1929-2016) fue un músico francés considerado como pionero de la música electrónica, tanto así que fue de los primeros en utilizar el moog, inventado por Robert Moog, primer sintetizador comercial. En 1970, Perrey publicó el álbum Moog Indigo; dentro de este, compuso el tema El elefante nunca olvida (https://youtu.be/pOu1BvuhtRw)
que es una versión electrónica de La marcha turca de Ludwig van -Beethoven (1770-1827) (
https://youtu.be/BUuOmxzbuWQ). Esta es la composición Op. 113 N° 4 escrita en 1811.

Eric Carmen es un cantante y compositor estadounidense que, aunque no es conocido como un exponente del rock (bueno, puede que sí lo sea del llamado “rock suave”) sino más bien del pop , lo incluyo en esta crónica por la originalidad de la versión, incluyendo la letra, de la obra de S. Rachamaninov (1843-1973) Piano Concerto N° 2 Adagio Sostenuto (https://youtu.be/znlUBaLH2zY). Carmen le dio el título de All by myself (https://youtu.be/iN9CjAfo5n0) a este arreglo, una balada pop de gran éxito en 1975.

El multinstrumentista inglés Mike Oldfield ha hecho música de gran calidad que ha sido utilizada, por ejemplo, para películas como El Exorcista para la que su director William Friedkin tomó un fragmento del álbum Tubular Bells en 1973. Su talento lo ha mostrado también haciendo magníficas versiones de temas clásicos como el Final (https://youtu.be/c7O91GDWGPU) de la Obertura Guillermo Tell, de la ópera Guillermo Tell, del compositor italiano Gioacchino Rossini (1792-1868) estrenada en 1829. Oldfield la compuso en el año 1977 (https://youtu.be/tahINCwwfks).

Como parte del exitoso álbum Brain Salad Surgery (1970), los ELP, de la mano de Keith Emerson, elaboraron una extraordinaria versión del Cuarto movimiento (Toccata concertata) (https://youtu.be/KfPGrH1xXJE) del Concierto para Piano N° 1 : (1961) del músico argentino Alberto Ginastera (1916-1983) compuesto en 1952, pero estrenado en 1961(https://youtu.be/vndswsbD3OQ). Ginastera fue uno de los más importantes compositores de música contemporánea del siglo XX, digno alumno de Aaron Copland.

martes, 19 de octubre de 2021

¿Qué hay en un nombre?

 Causa curiosidad de dónde provienen los nombres de los grupos de rock; a esto se suman los de los temas y los álbumes que producen. Es difícil, en la mayoría de casos, adivinar qué inspiró a sus integrantes el escogerlos, sin embargo, podemos adivinar quién o qué  los inspiró cuando estos son tan evidentes. Para esto, tomé algunos pocos ejemplos de nombres famosos, y de otros no tanto, alusivos a la ciencia y a la cultura. 

Nombres de grupos

1. URIAH HEEP:  grupo inglés nacido en 1969 y todavía activo. Su nombre proviene del personaje de la novela  David Copperfield de Charles Dickens, un hombre avaro e intrigante. Pueden reconocer su estilo en el tema Lady in Black (https://youtu.be/XnNR-Z0qqIs).

2. IGRA STAKLENIH PERLI: banda Serbia de rock progresivo, pero nacida en la antigua Yugoeslavia, que estuvo activa entre  1976 y 1985, y vuelta a reunir en 2011 hasta el presente. Su nombre, en serbio, significa el "El juego de los abalorios", que es el título de un libro del premio Nobel de literatura Herman Hesse. Es un grupo poco conocido, por lo que vale la pena escuchar el tema Pecurka (https://youtu.be/cWeqtldPUWo).

3. GARYBALDI: grupo de rock progressivo italiano (RPI) de principio de los 70, cuyo nombre es el del apellido del héroe italiano del siglo XIX Giuseppe Garibaldi, uno de los fundadores del actual Estado italiano. Hay que anotar, sin embrago, que cambiaron la primera  "i" original por la "y". Tal vez no es el grupo emblemático de este subgénero del rock progresivo, pero su sonido es de gran calidad. Escuchen  Madre di cose perdute (https://youtu.be/Nmc41LmG_3M).

4. NOVALIS: grupo alemán de Krautrock de los años 70. Su nombre viene del del poeta romanticismo alemán de finales del siglo XVIII. que se hacía llamar así. Su verdadero nombre era Georg Friederich von Hardenberg. Recomiendo Banished Bridge (https://youtu.be/zr5nY5HnIus)

5. ISOTOPE:  banda inglesa de jazz-rock nacida en 1974. Es obvio de dónde proviene su nombre, del átomo de un elemento que tiene un número diferente de neutrones en el núcleo. Para escuchar, el tema Deep End (https://youtu.be/IzF7QGueftk) 

6. PULSAR : grupo de rock sinfónico y progresivo francés de mediados de los 70. Un púlsar es una estrella de neutrones que emite pulsos de radiación electromagnética a intervalos regulares. Recomiendo, para comenzar a a conocer esta banda, el tema The Strands of future (https://youtu.be/KpL5htneI-c)

7. PANGEA: compuesto por un único intérprete de todos los instrumentos, el italiano Mauro Paoluzzi, quien compuso un único álbum en 1976, haciendo parte del rock progressivo italiano (RPI) La Pangea fue un continente formado hace 200 millones de años en el que estaban incluídos todos los que conocemos hoy. Ir al tema  álbum Invasori & Arcipelago, es la mejor manera de apreciar su, tal vez, extraña música (https://youtu.be/ukXp9X-M3DI).

8. PHOLAS DACTYLUS: grupo del rock progressivo italiano (RPI) de los años 70. Pholas dactylus es el nombre científico de una especie de molusco luminiscente que se distribuye por el Océano Pacífico de América del Sur. Los invito a que escuchen Concerto delle menti (prima parte) (https://youtu.be/wE-iRSOAl5g).

Títulos de temas

1. EMBRYO: Es un trema muy raro compuesto por el icónico grupo de rock inglés sicodélico y progresivo Pink Floyd. Este tema nunca fue publicado en ninguno de los álbumes de estudio del cuarteto. Apareció en 1970 en un disco promocional en Inglaterra. Luego, se publicó como parte del trabajo compilatorio que hizo Pink Floyd al que llamaron Works. En el tema, ponen a "hablar" a un embrión humano desde el útero  (https://youtu.be/YaprUQnS3DA). 1911

2. DON´T KILL THE WHALE: tema claramente ecológico de los Yes, el famoso grupo inglés de rock progresivo de los años 70. Este tema hace parte del álbum Tormato de 1978. Considero que debería tomarse como himno de las campañas conservacionistas contra la cacería de ballenas en el mundo (https://youtu.be/RNfYtjQZcv0).

3. LAS CUEVAS DE ALTAMIRA: España no es muy conocido por el pública en general como un país con grupos de talla mundial en el campo del rock progresivo. Sin embargo, en realidad, es una falsa impresión, pues sí lo es, y de muchos. Entre ellos, podemos destacar a IBIO. quienes, en 1978, compusieron un tema dedicado a las Cuevas de Altamira, estas famosas cavernas que poseen pinturas rupestres localizadas en Santillana del Mar (Cantabria). Los registros de estas imágenes datan desde hace 35.600 hasta hace 13.000 años (https://youtu.be/ztVg4gcV27k).

Títulos de álbumes

1. ALTURAS DE MACCHU PICCHU: En el año 1981, el grupo chileno Los Jaivas publicó el álbum Alturas de Macchu Picchu con una clara fusión de música rock y música andina. Este título es un homenaje a la ciudad mítica y sagrada Inca del Perú, construida en el siglo XV y redescubierta en el año 1911. De esta grabación podemos destacar el tema Del Aire al Aire (https://youtu.be/Fsb-X0J-7Mk?list=PLnJDCrKyKvbaCOckudTHzlfxVWcCjRZks).

2. CARONTE: el grupo de RPI The Trip publicó en 1971 este álbum cuyo nombre hace alusión a un personaje mitológico griego: Caronte era el barquero de Hades, el encargado de guiar las sombras errantes de los difuntos recientes de u lado al otro del río Aqueronte si tenían un óbolo para pagar el viaje, razón por la cual en la antigua Grecia los cadáveres se enterraban con una moneda bajo la lengua (https://youtu.be/SHbfXDaOo9E)

3. SIX WIVES HENRY VIII: Nombre del primer álbum en solitario  (1971) de Rick Wakeman,  teclista (en ese momento) del grupo Yes. En este disco, Wakeman se pasea magistralmente por cada una de las esposas de este rey inglés a quienes dedica su música. Enrique VIII mandó matar a la mayoría de sus esposas, siendo una de ellas Ana Bolena que fue decapitada, según la historia, injustamente. Esta mujer fue la madre de la reina Isabel I de Inglaterra. Como ejemplo incluyo el tema Ana Bolena (https://youtu.be/1ngFpAIKLfI).

4. RADIO AKTIVITAT: Uno de los mejores exponentes del Krautrock, el grupo Kraftwerk, publicó en el año 1975 este álbum en el que, claramente, muestra el homenaje que hace a Maria Curie (1867-1934) y a su esposo Pierre Curie (1859-1906), los físicos y químicos ganadores de los premio Nobel de Física (ambos) y de química (ella) descubridores del fenómeno conocido como radiactividad que consiste en la emisión de radiaciones atómicas (por su núcleo) que pueden generar efectos nocivos en los seres vivos. Creo que el tema emblemático de este álbum es Radioactivity  (https://youtu.be/M0D7MBBI2Ik).

5. DARWIN: álbum publicado por uno de los grupos más famosos del RPI, Banco Del Mutuo Soccorso, en el año de 1972. Pata algunos de los más conocedores de este subgénero, este disco es el mejor de todos los compuestos por grupos italianos de rock progresivo. Algo muy interesante de esta grabación, es que cada tema está dedicado a algún aspecto de la teoría de la evolución (propuesta por los ingleses Charles Darwin y Alfred Russell Wallace a mediados del siglo XIX), lo que lo hace un verdadero álbum conceptual. Para empezar a apreciarlo, sugiero el tema L'Evoluzione (https://youtu.be/qHv4jq9wtdE).

Hay muchos más ejemplos, pero, por ahora, dejaré aquí mi propuesta. 





lunes, 4 de enero de 2021

Original y copia

Son muchos los grupos rock que han hecho copias de versiones originales de temas, por lo común, famosos. Bueno, esa no es una gran noticia; lo que sí me parece interesante, es que algunas de las copias son mejores que las originales. Por supuesto, eso depende de los gustas de los escuchantes, por lo que es mi punto de vista, por supuesto. Empiezo por el tema de Steve Wonder Superstition (1972) (https://youtu.be/JOFCpvIlpVk)

La versión "mejorada" (aunque a los puristas puede no gustarles esta denominación, con toda razón), la encontramos en la hecha por Beck, Bogert & Appice , también en 1972 (https://youtu.be/uS3XJQA6voE). Para ser sinceros, me encanta esta versión, llena de fuerza, interpretada por estos tres grandes músicos, quienes formaron este "súpergrupo"  publicando un único álbum en el que incluyeron este tema.

Claro que este es un caso extraño: parece ser que la versión original es de BB&B, porque Steve Wonder se la escribió a Beck porque le gustó la participación de este en su grupo. Pero después, SW lo interpretó haciéndolo famoso, de tal modo que por todo esto es su versión la que lo considero la original. 

Aunque suene herético, la copia hecha por Joe Cocker (1969) del tema de los Beatles With a a little help from my friends (1967) (https://youtu.be/YIizdazLTeU?) me encanta, por su fuerza y la extraña forma de haber hecho la versión. En realidad, se parece muy poco a la original, pero eso la hace aún más interesante. (https://youtu.be/tfLyK2DVVUU)

En el año 1971, el grupo estadounidense Grand Funk, liderado por el cantante y guitarrista Mark Farner, sacó a luz su producción Survival, en la que se incluyeron varias versiones muy bien logradas de temas originales de grupos del momento, como The Rolling Stones y Traffic. Y es precisamente de este último del que escogieron el conocido tema Feeling Alright (1968). En la copia se destaca el sonido del bajo de Mel Schacher quien, a mi juicio, es uno de los mejores bajistas del rock de todo los tiempos. Traffic fue un grupo liderado por Steve Winwood, vocalista, teclista y guitarrista, quien posteriormente formó parte de otras bandas, destacándose entre ellas del supergrupo Blind Faith, con Eric Clapton, Ginger Baker y Ric Grech.  (https://youtu.be/xYXxbtkGtW0-Traffic. (https://youtu.be/HOcrRt8p2J4?list=RDHOcrRt8p2J4-Grnad Funk)

El grupo sicodélico estadounidense Vanilla Fudge, compuso varias versiones, nuevamente, de los temas de The Beatles, entre estos Ticket to ride  de 1965 (https://youtu.be/SyNt5zm3U_M), grabado por aquellos en 1967 (https://youtu.be/lOfwg9noxo0) como parte de su primer álbum de estudio.  En Vanilla Fudge estaba el bajista Tim Bogert, a quien ya nombré arriba en el tema Superstition, y el baterista Carmine Appice, también integrante de Beck, Bogerte & Appice.  El sonido dado por esta banda esta claramente enmarcado dentro de lo sicodélico, con una fuerte participación de los teclados interpretados por Mark Stein. El otro integrante del grupo fue el guitarrista Vince Martell quien también tiene un a participación importante en este tema. Es digno de oír atentamente este álbum por los arreglos (¿o desarreglos?) que hicieron de otros temas de los cuatro de Liverpool, todos, me parece, de gran calidad. 
Definitivamente The Betales dio mucho material para que otras bandas hicieran grandes versiones de sus temas, como es el tercer caso que muestro aquí: la interpretación que el grupo de rock progresivo Yes hizo en 1969 (https://youtu.be/d-p_QEZGpKI) del tema Every little thing de 1964 (https://youtu.be/jrDikOz8YSU), publicado en el álbum Beatles for Sale. Los Yes lo publicaron dentro de su primer álbum con el mismo nombre del grupo. Como las demás copias, en este caso no es diferente la genialidad con la que asumieron una versión de las canciones de The Beatles, en este caso mostrando el espectacular modo progresivo que, para finales de los 60, ya estaba destacándose en el mundo del rock. 
Hay algunos temas menos conocidos que también son dignos de destacar con el fin de rescatarlos del olvido. Uno de ellos es Shapes of things (https://youtu.be/Jc17DqcA6Qc) de los Yardbirds, liderados por el gran guitarrista Jeff Beck. Este  fue publicado en 1966, mientras que la copia lo fue en 1974 (https://youtu.be/R7bF8YqrUFE) por la banda escocesa Nazareth como parte de su álbum Rampant, el que, en mi concepto, es el mejor del grupo. Es un caso extraño, pero es muy raro que algunos de los temas que componen este disco, o este en general, sea reconocido como el más destacado del grupo. Esto sucede con Shapes of things, razón de más para que yo lo haya 
querido incluir en esta reseña. La versión de Nazareth no se aleja del todo del sonido que identifica la original, pero incluye, yo diría, elementos musicales que rozan lo progresivo: espero que, para aquellos que no la conocen, la disfruten. 

Cuando oí por primera vez a principios de los 70 la canción You shook me (https://youtu.be/YS1Tz6dzcjU) en el volumen 1, su álbum debut, de Led Zeppelin (1969), quedé encantado con el la guitarra de Jimmy Page, y con la voz de Robert Plant. Sin embargo, no sabía que el tema original era de un músico y cantante de blues muy famoso llamado Willie Dixon quien la publicó en 1962. Me parece que siendo un tema de principios de los 60, es tremendamente innovadora, con sonidos de los 70. Pero este no es la única de las composiciones de Dixon del cual hay copias famosas. Una de estas otras es Spoonful, de 1960 (https://youtu.be/6jW5kUZk0WQ), y la versión del súpergrupo Cream en 1966 (https://youtu.be/CgP7kfIwlE8) dentro del álbum Fresh Cream en la que se destacan el bajo de Jack Bruce y la guitarra de Eric Clapton, quienes demuestran sus extraordinarias dotes dentro del blues.

En 1964, el grupo de R&B y Rock and Roll The Kinks publicó You really got me (https://youtu.be/fTTsY-oz6Go), que es tal vez el tema más conocido de este grupo inglés liderado por los hermanos Davies. Lo más trascendental de este tema es el riff  de guitarra creado por Dave Davies el cual, junto al de Ritchie Balckmore de Deep Purple en Smoke on the water, son, tal vez, los más famoso de la historia del rock, tanto así que siempre hacen parte de aquellos que están aprendiendo a interpretar la guitarra eléctrica. De este tema, los Van Halen (https://youtu.be/9X6e7uctAww) de EE. UU. realizaron una copia explosiva en 1978, con fuertes guitarras (Eddie Van Halen y Michael Anthony) y toques de batería (Alex Van Halen), junto con la poderosa voz de David Lee Roth. A mí me parece esta versión un ejemplo increíble de cómo se puede mantener, en su mayor parte, los elementos de la original, pero con la visón personal de quien hace la copia.

La siguiente copia puede resultar algo curiosa para quienes no son conocedores del rock colombiano de los 60 y 70. Se trata de la versión en español del famoso tema del grupo inglés liderado por Eric Burdon The Animals de 1964, The house of the rising sun (https://youtu.be/0Fy7opKu46c), interpretado en español por los colombianos The Speakers en 1966 con el nombre de La casa del sol naciente (https://youtu.be/Y25o6yr6RqA?list=RDY25o6yr6RqA). Tal vez el rock colombiano no ha influido en el género a nivel mundial, y poco a nivel latinoamericano, pero yo creo que ha sido más por la poca difusión que tuvo en esos tiempos, que por la calidad de los grupos. De hecho, los álbumes de los Speakers, de los Génesis (el colombiano, por supuesto) y de Los Flippers, son apetecidos entre los coleccionistas japoneses y holandeses, de tal modo que sus LP se compran a altos precios. Pero bueno, lo que quiero hacer hacer aquí es un modesto homenaje a nuestro rock nacional.

El que viene a continuación es un caso extraño, por lo menos para mí: en el año 1970, el grupo Derek and the Dominos, liderado por Eric Clapton, publicó el tema Layla (https://youtu.be/pcdBtJKQt1Q). Y el propio Eric Clapton, grabó en su álbum Unplugged, en 1992, el mismo tema (https://youtu.be/sQ5idZHWVn4). La verdad, en esta copia es, a mi parecer, casi imposible suponer que es la versión de la original, una razón más para ver aquí una curiosidad, algo poco común en el mundo del rock.

Y para terminar, entre tantas y tantas originales y copias que podemos encontrar en la música rock, escogí la copia hecha por  Santana, en su álbum Abraxas (https://youtu.be/9wT1s96JIb0) de 1970, del tema de Fleetwood Mac Black Magic Woman de 1968 (https://youtu.be/7eANGHVQS9Q), cuando este grupo era liderado por Peter Green, el gran guitarrista inglés. Estoy seguro de que muchos aficionados pensaban que el tema fue compuesto por Carlos Santana, y de que nunca se imaginaron de quién es el la versión original, sobre todo porque los Fleetwood Mac son identificados por la que podríamos llamar su segunda generación, y no por la liderada por la anterior de Green, menos reconocida en el ámbito internacional, desafortunadamente.   





 











jueves, 2 de enero de 2020

Los del bajo por lo alto

Es mi percepción que, normalmente, al hacer clasificaciones sobre los mejores músicos del rock, se dejen por fuera a los bajistas, esto tal vez porque para los escuchantes sea casi muda su participación en los temas musicales. Nada más lejos de esto: si ponemos atención, nos damos cuenta de que el bajo es fundamental en la música rock, tanto así que ha habido grupos en los que nunca existió una guitarra líder, o esta se usó muy poco en sus títulos (e.g. Emerson, Lake & Palmer y The Nice), pero en los que siempre hubo la presencia de un bajo. A continuación, escribiré entonces sobre aquellos bajistas que me gustan más, escogiendo algunos de los temas en los que se destaca el uso de este instrumento. Como siempre, es mi punto de vista personal, por lo que seguramente no coincidirá con el de muchos otros aficionados al rock. Comenzaré con  Mel Schacher: este estadounidense se conoce por ser integrante de los Grand Funk, banda que tuvo un gran éxito entre 1969 y 1975, liderada por el guitarrista y cantante Mark Farner (ver mi crónica No siempre tres es menos que cuatro). Siempre me ha gustado su estilo, serio, poco histriónico, muy concentrado en su trabajo. Además, al contrario de lo que su cedió con muchos otros, su golpe de bajo siempre fue fuerte, se hacía sentir sin necesidad de que se le permitiera hacer solos de bajo para reconocer que allí estaba. El tema Country Road (del álbum Survival de 1971) (https://youtu.be/rS-lW2DLXWM) es un claro ejemplo de lo que digo. Continúo ahora con Tim Bogert: famoso por su participación en los grupos Vanilla Fudge y Cactus, este bajista y cantante es uno de mis favoritos. Posterior a estos, hizo parte del trio Beck, Bogert & Appice con el que grabó un único LP. La mejor interpretación de su bajo la podemos escuchar, creo, en el tema Break Song (del álbum Near the Beginning de 1969) (ver mi crónica Los temas perfectos). Sigo con Jack Bruce (fallecido en el 2014): bajista y cantante líder de los Cream, es a veces más reconocido por lo segundo que por lo primero, lo que me parece injusto. Al escuchar el tema Sunshine of your love (https://youtu.be/zt51rITH3EA) (del álbum Disraeli Gears de 1967) se entiende bien de lo que hablo. Casualmente, otro gran bajista murió recientemente (en el 2016), Greg Lake: cantante y bajista del conocido trío Emerson, Lake & Palmer (ELP), a este guitarrista se le identifica más por su hermosa voz que por sus aptitudes con el instrumento que interpretaba. Como fue común en los dos grupos más importantes que lideró Keith Emerson, ELP  y The Nice, no había guitarra líder, tan solo teclados, batería y bajo (esto, tal vez, porque con los teclados se reemplazó al guitarrista líder). Entre sus mejores interpretaciones de este instrumento, encontramos la que hizo en el tema Fanfare for the common man (1977) (https://youtu.be/PMuePyV1nr) en el que, a pesar de la fuerza interpretativa, y los sonidos envolventes, de Emerson y Palmer en los teclados y la batería respectivamente, el bajo no se opacó para nada, por el contrario, mostró su importancia indiscutible. La gran estrella de Pink Floyd, Roger Waters, destacado fundamentalmente por sus composiciones, posiblemente es poco aclamado como bajista ya que su carrera con los Pink Floyd, como algo contradictorio a destacar, ha obstaculizado el que se le reconozca su genialidad con la guitarra. Una muestra de su talento se escucha en Let There Be More Light  (A Saucerful Of Secrets de 1968) y en Set the controls for the heart of the sun (A Saucerful Of Secrets de 1968). Veamos ahora la importancia que imprimió John Entwistle (otro de los grandes del rock desaparecido en el 2002) en los Who. El disco que más me gusta de este extraordinario grupo es Live in Leeds (1970), pues siempre me ha parecido que es la mejor expresión del talento de sus integrantes (Roger Daltrey, Keith Moon, Pete Townshend y su bajista). No se puede negar que cuando se nombran a los Who, la primera persona que se viene a la memoria es su cantante (Roger Daltrey), y la última, John Entwistle. Invito a los aficionados a la banda, pero sobre todo a aquellos que poco han reparado en el sonido del bajo en sus temas , que se concentren tratando de enfocarse en Entwistle (https://youtu.be/-DHEPTarUQs) para que sientan su fuerza: por algo fue escogido en el 2011 como el mejor bajista de todos los tiempos por la revista Rolling Stone. Otra de las bandas icónicas del progresivo, Yes, albergó en sus filas a uno de los grandes del bajo, Chris Squire, quien murió (un bajista más que nos dejó) en 2015. Squire fue un gran vocalista, acompañando de manera excepcional a Jon Andrson, el archiconocido cantante líder del grupo. Una muestra de su talento con el instrumento la encontramos en el álbum Fragile de 1972 (https://www.youtube.com/watchv=cPCLFtxpadE&list=PLVOYDgXAn1KJJ0aqjnAIxd_P1rSFDdxTf), dentro del que casi en cada tema se destaca su genio. Dejo aquí por el momento, aunque sé del reclamo que algunos de ustedes harían por no incluir a otros gigantes como Geddy Lee (Rush) o John Paul Jones (Led Zeppelin), lo que me obliga a pensar en una segunda entrega de "Los del bajo por lo alto".

jueves, 23 de agosto de 2018

Obituarios

Son varios los músicos del rock que han muerto en estos últimos años a quienes vale la pena hacerles un modesto homenaje, incluyendo a aquellos menos conocidos por la comunidad en general a los que, aun siendo grandes músicos, no se le hizo mucha publicidad en los medios su fallecimiento. Entre ellos están:
Peter Banks: músico inglés, muerto el 7 de marzo de 2013, a los 65 años. La mayor parte de la discografía del grupo de rock progresivo Yes tuvo como guitarrista  a Steve Howe, excepto los dos primeros álbumes, Yes y Time and a word, en los que Peter Banks fue el guitarrista líder. Mucho de su genio, sin embargo, lo podemos encontrar en su primer álbum en solitario, Two sides of Peter Banks (1973).

Joe Vescovi: líder del grupo italo-inglés de rock progresivo The Trip, murió el 28 de noviembre de 2014. Para los especialistas, este teclista italiano tenía un estilo muy similar al de Keith Emerson, lo que lo hizo una de las grandes estrellas de los sintetizadores del rock progresivo italiano.

 Edgar Froese: guitarrista y teclicta alemán, muerto el 20 de enero de 2015, más conocido por ser el fundador del famoso grupo de Krautrock (rock alemán) Tangerine Dream. Es posible que otro de los grandes del Karutrock, Klaus Schulze, sea más conocido que Froese, pero esto no significa que haya menos grandeza en este último que en el primero. Aunque su interpretación de los diferentes sintetizadores (moog, melotrón, etc.,) fuera extraordinaria, desde mi perspectiva la maestría para incluir la guitarra en el contexto de los sonidos electrónicos de los teclados de Tangerine Dream, fue increíble.

Francesco di Giacomo: cantante y músico del rock progresivo italiano, quien murió el 21 de febrero de 2014. Di Giacomo fue el cantante del famoso grupo de rock progresivo italiano Banco del Mutuo Soccorso, entre 1971 y el 2014. Su poderosa voz, casi que de tenor, hizo que la fama del Banco fuera mayor aún, por lo que su pérdida significa algo especial, por ser una voz casi única en el contexto del RPI, y del rock en general, tal vez comparable (aunque no con la fama) a la de Freddy Mercury, el cantante de Queen.

John Wetton: cantante, bajista y compositor inglés, muerto el 31 de enero de 2017. Tal vez las tres bandas más conocidas de las que hizo parte fueron, en los años 70,  King Crimson (cuyo líder era el extraordinario guitarrista Robert Fripp), UK, banda que él fundó con el baterista Bill Bruford y Asia, supergrupo que a principios de los 80 tuvo gran éxito. A mí me gustó siempre su timbre de voz, sobre todo en los temas que interpretó con los King Crimson y con  UK. 


Keith Emerson y Greg Lake: en pocos meses, durante el 2016, se acabó el 75% del archiconocido grupo de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer, esto por la triste muerte de Greg Lake y de Keith Emerson, el primero el 7 de diciembre, y el segundo el 11 de marzo. Aunque la desaparición de personajes como estos causa conmoción, lo es más cuando la muerte es de manera trágica, como la de Emerson quien se suicidó, parece ser que debido a que tenía problemas en sus manos que le impedían tocar como antes, lo que posiblemente no resistió llevándolo a una gran depresión. Esperemos que Carl Palmer siga vivo por muchos más años.

Chris Squire: otro integrante de Yes, en este caso el bajista, murió hace poco (27 de junio de 2015). Squire fue uno de los más talentosos bajistas del rock progresivo, además de ser la voz acompañante más importante de Jon Anderson, el cantante líder del grupo. A mí me encantaba su voz que, aunque era opacada por la de Anderson, no dejaba de sentirse, de darle un toque especial a cada uno de los temas de Yes. Fue el único integrante que participó en todos los álbumes de estudio de la banda.

Jack Bruce: Otro gran bajista, ese fue Jack Bruce, muerto el 25 de octubre de 2014, reconocido por la mayoría de nosotros por ser parte del súpergrupo Cream,  al cual también pertenecieron el magnífico y reconocido guitarrista Eric Clapton y el  talentoso baterista Ginger Baker. Me encantaba su voz, la que, combinada con la de Clapton, creó un ambiente lírico especial en Cream. Repito, fue otro de los grandes bajistas del rock a los que, desafortunadamente, se les destaca muy poco a la hora de escoger los mejores XXX del mundo de la música.